Talent

Talent ist eine Lüge.

Talent wird erarbeitet, deshalb nennt man die Person Talent, nicht weil sie irgendwas von Natur aus gut kann.

Menschen sind nur unterschiedlich intelligent... und auch das hilft nur bedingt weiter.

Wer mit Kindern gearbeitet hat, weiß, es gibt nur Interesse und Neugierde. Und das ist individuell, aber auch etwas, dass durch Förderung entstehen kann.

Leider geht man oft davon aus, dass ein Kind, dass nicht "sofort toll malen kann" einfach kein Talent hätte... dabei ist die einfarbig lehrende Gesellschaft nur zu unfähig, unterschiedlich zu fördern.

Wenn ich mit den Kindern im Kindergarten fertig gebastelt und gemalt hatte, hielte alle Eltern sie für große Meister ... weil ich jedes individuell in seinen Interessen gefördert hatte.

Langsam und schneller Lernen liegt oft nur daran, dass Menschen unterschiedliche Systeme zum Lernen bräuchten. Und die Schule / Lehrende nur mit einem Schema lehren. Es gibt viel mehr neurodivergente Menschen, und die fallen durch das Raster. ADHSler haben angeblich Talent? Nein, wir haben Hyperfokus. Mein Autismus macht mich auch nicht zu einem Mathegenie, dafür sitze ich hier und höre Strom. Toll, oder? Kann-Strom-Hören-Man ist kein toller Superhelden Name.

Und dann lernen manche Menschen eben langsamer (hello it’s me), manche nutzen andere Logik. Heißt aber nicht, dass eine langsame Person kein Talent sein kann. Mich nennen die Leute ständig Talent, dabei hab ich eine Lernbehinderung.

Was ist Plot?

Hauptplot

Alles in einem Buch sollte natürlich immer einem Zweck folgen - letztlich tut das aber sämtlicher Inhalt. Wie finde ich den Zweck, der Lesende abholt und die Geschichte spannend hält?

Wie oben bereits erklärt: Auf der Suche nach den roten Fäden hilft uns wieder die Frage nach dem “Wieso, Weshalb, Warum?”

Der Plot eines Buches kann sich unter anderem wie folgt aufteilen:
Charakterentwicklung, Hauptproblemlösung (mehrere möglich), beliebig viele Nebenproblemlösungen

Was du schreibst, sollte dem Hauptplot immer zugutekommen. Charakterentwicklung beeinflusst immer den Hauptplot, oder die Charakterentwicklung ist sogar der Hauptplot. Deshalb ist es wichtig, zu wissen, was eben der rote Faden der Geschichte sein soll.

Beispiel: “Ich will eine High-Fantasygeschichte mit einer Romanze schreiben!”

Die Lila-Ritter kämpfen gegen die Blauen-Ritter, weil die Blauen-Ritter ihr Land ungefragt immer weiter ausbreiten.
🔺 Hauptplot ist ein Konflikt zwischen Fraktionen.
Hauptcharakter Lilu führt einen Trupp an. Sie soll am Ende die entscheidende Schlacht gewinnen.

Damit haben wir unseren Hauptplot. Doch der ist noch nicht fertig:
Jetzt können wir uns zu diesem Hauptplot die ganzen “Wieso” Fragen stellen. Das führt automatisch zu Subplotts (Nebenplot).
Die wichtigste Frage wäre hier: Wie gewinnt Lilu den Konflikt? Auch das ist wieder eine Hauptplottentscheidung. Denn wenn sie friedlich gewinnt, ist das ja auch Teil der Kernaussage des Buches, was uns auch zum Genre führt.
Genre - nur weil es sich in diesem Plot um einen kriegerischen Konflikt handelt, muss es nicht gleich ein Epos sein, oder ein Drama, oder ein Krimi etc. - wie dem Hautplot gefolgt wird, entscheidet über das Genre. Hier soll eine Romanze im Fokus stehen. Vielleicht ist es ja auch die Romanze, die den Konflikt löst. Deshalb ist es wichtig, zur Haupthandlung alle nötigen Fragen zu klären, damit du dich auf diese Handlungsfäden konzentrieren kannst.

Hauptplot ausgearbeitet:

Die Lila-Ritter kämpfen gegen die Blauen-Ritter, weil die Blauen-Ritter ihr Land ungefragt immer weiter ausbreiten. Lilu führt ihren Trupp gegen die Blauen-Ritter an, lernt dabei eine andere Führerin der Blauen-Ritter kennen, sie müssen zusammenarbeiten, wegen “Konflikt”, sind so gezwungen sich besser kennenzulernen, das ebnet den Weg für Friedensgespräche.

Diese Entwicklung gibt uns z.B. folgende Plotwege:

1. Lilus Charakter muss beleuchtet werden, wir brauchen Plot, um sie als Person kennenzulernen. Am besten zeig man im Buch auch, wie Lilu auf Konflikte und Probleme reagiert und dadurch wächst. Frage: Weshalb ist Lilu, wer sie ist? Das sollte im Buch beantwortet werden, damit man eine Bindung zu ihr knüpfen kann.

2. Das führt automatisch zu einem Ereignis, das Lilu ein Problem lösen lässt. Dieses Problem könnte im Zusammenhang mit dem Hauptplot stehen, dort auch etwas auslösen - wie z.B. die Rettung eines feindlichen Ritters / oder ein Scharmützel, bei dem jemand verschont wird, was Friedensgespräche am Ende entscheidend beeinflusst. Wenn Frieden unser Wunsch für das Ende ist. Beispiel Fragen: Wieso dringt ein Feind ein? Wieso hilft Lilu? Wieso verschont Lilu?

3. Wir müssen natürlich dem Hauptkonflikt, dem drohenden Krieg folgen, als Handlung, und viel darüber erfahren.
   Fragen: Wieso wird Krieg geführt? Wieso auf diesem Wege? Wieso entzündet sich jetzt alles?

4. Dann kommt der Punkt, an dem Lilu die feindliche Anführerin kennenlernt, das gehört dann zu einem Haupthöhepunkt im Plot.
   Fragen: Wieso lernen sie sich kennen? Wieso sind sie gezwungen, zusammenzuarbeiten?

5. Durch dieses Aufeinandertreffen haben wir auch wieder Charakterentwicklung. Und die Nebenhandlung der Freundschaft zwischen Lilu und dem Feind bildet auch einen neuen Plottpunkt. Frage: Wieso verlieben sie sich später?

Plottfäden können also aus dem Hauptplot erwachsen, sich entwickeln und irgendwann wieder mit dem Plot verschmelzen. Es ist wichtig, sich bei der Planung oder während des Schreibens seine Plottpunkte aufzuschreiben und ihre Entwicklung im Auge zu behalten.

Notizen: Zeitstrahl, Ort, Ereignis

Leg dir neben dem Schreiben einen Zeitstrahl an. Notiere dir mit Notizzetteln an deinen Buch-Seiten direkt Uhrzeiten und Datum, auch wie viel Zeit vergangen ist.

Hab die Orte im Blick und notiere dir auch direkt wichtige Ereignisse in der Story, sogenannte Schlüsselmomente. In einem Dokument kannst du so schnell von Ereignis zu Ereignis navigieren und weißt, was du wann wie schon untergebracht hast. Das geht auch gut handschriftlich in deinem Manuskript mit Post-its und anderen Markierungsmöglichkeiten.

Recherche

Egal was du schreibst, ob Fantasy oder realistischen Krimi: ALLES muss gut recherchiert sein. Wirklich alles. Ein Magiesystem braucht Regeln, um verständlich zu sein, sogar wenn es ein weiches Magiesystem ist, das alles möglich macht, auch da muss das “Magie macht, was sie will” immerhin mal erwähnt sein. Und du musst schon wissen, wie die Polizei arbeitet, wenn du einen Krimi mit Polizisten schreiben möchtest.

Und das alles gehört notiert, mit Verweisen, wo im Buch das Wissen Verwendung findet.

 Schreiben ist mehr als Beschreiben
(Vertiefung des Themas)

Satzbezug - Roter Faden

Durch eine Geschichte zieht sich ein roter Faden, aber auch durch die Sätze muss sich ein gemeinsamer Sinn ziehen, der die Bedeutung miteinander verbindet.

Es wird immer beschrieben und Beschreibungen von Geschehen bauen aufeinander auf. Wenn der Aufbau leicht oder auch hart bricht, wird ein Absatz oder sogar ein Leerzeilen Absatz gemacht.

Beispiel:
Saskia saß im Zug. Draußen tobte ein Schneesturm. Sie zog bei dem Anblick fröstelnd ihren Schalt fester, dabei war das Abteil gut gewärmt.

Das Bild, dass Saskia im Zug sitzt wird verstärkt durch die Umstände des Wetters und hat zur Folge, dass sie bei dem Anblick darauf mit einem Gefühl reagiert.

Das könnte noch weiter gesponnen werden, mit dem Grund, wieso sie in einem warmen Abteil friert, vielleicht ist sie angespannt. So entstehen Zusammenhänge.

Beispiel:
Saskia saß im Zug. Vor dem Bahnhof hüpften Tauben über die Straße. Ihr war ein wenig kalt, also zog sie ihren Schal enger. Gestern hatte sie mit ihrer Mutter telefoniert. Die Fenster des Abteils waren ganz beschlagen vor Kälte.

Das Bild, dass Saskia im Zug sitzt, wird unterbrochen von der Information, dass vor dem Bahnhof, sicherlich fern des Zuges, von ihr vorhin wohl wahrgenommen, Tauben hüpften. Dann zieht sie ihren Schal enger, denkt an ihre Mutter, aber statt das diese Empfindungen verknüpft werden und uns der Grund für ihr Denken offenbart wird, realisiert sie, dass die Fenster des Abteils beschlagen sind. Wenn jetzt kein weiterer Satz folgt, der auf beides eingeht, sind das lose nur teilweise zusammenhängende Informationen.

Es ist möglich in einer Rohfassung erstmal alles unsortiert zu schreiben und es dann zu überarbeiten.

Saskia saß im Zug, schaute aus dem beschlagenen Fenster des Abteils. Die Kälte tönte die Scheiben ganz weiß. Wie es wohl den munter vor dem Bahnhof hüpfenden Tauben erging? Ihr war es heute definitiv zu kalt. Sie erinnerte sich an das Bild, ehe sie zu ihrer Bahn gestürmt war, aufgeregt, denn dieses Abenteuer war nicht geplant. Der Anruf ihrer Mutter hatte ihren gesamten Alltag auf den Kopfgestellt, nicht mal den passenden Schal hatte sie jetzt dabei, so eilig war sie aufgebrochen. Er war viel zu dünn, für das frostige Wetter.

Alle Sätze haben nun einen Bezug zueinander, erklären die Geschichte aufbauend weiter.

Da wären wir wieder bei dem bereits durchgenommenen Thema, dass alles im Buch einem Sinn und Zweck folgt und es sinnig ist, sich dem bewusst zu sein.

Weiterführend

Ich habe viele Bücher gelesen, die zwar eine Gesichte erzählten, jedoch nicht mit der Macht der Worte spielten. Das funktioniert, aber es schöpft das Potential des Schreibens nicht aus - und Geschichten können, egal wie gut sie sind, verblassen, wenn kalte Worte sie beschreiben. Die Kunst hinter dem Schreiben ist das Malen mit Worten.

Kurz zusammengefasst: Beschreibungen ohne Stimmung, ohne emotionale Details. Blank runtererzählt wie ein Aufsatz oder ein Bericht über einen Vorfall.

• Manche Bücher beschreiben nur einige Szenen blank und haben einen detailreichen Fokus auf bestimmte Ereignisse. Mit der richtigen Balance ist das durchaus tragbar, aber es kann zu unangenehmen Wahrnehmungslöchern bei Lesenden führen. Blanke Beschreibungen müssen immer mit genau diesem Zweck auch blank beschrieben sein und gerechtfertigt, dass sie keine Tiefe benötigen.

• Zweckbeispiel: Es ist absolut nicht notwendig zu wissen, wie lange sich der Charakter jetzt die Zähne geputzt hat, wenn nichts spannendes in den Gedanken passiert ist oder man will das Spannende anders fokussieren, dann kann man halt auch einfach mal schreiben: Er ging ins Bad. (Sollte klar sein.)

  • Das negativ Beispiel, aus einem Buch, welches ich neulich las, bei dem ich stutzig wurde:
    Liebespaar, Liebesgeschichte, so weit so gut, sie haben sich gerade erst kennengelernt und die ersten Gefühle wurden intensiv beschrieben, dann teilten sie sich eine lange Taxifahrt. Aber diese Fahrt war nicht beschrieben. Es stand nur der Satz: “Sie teilen sich eine lange Taxifahrt” im Buch. Kein Recap, was dabei gefühlt wurde - dabei war die Stimmung vorher als aufgeheizt und intim beschrieben worden.

  • Nein, die Taxifahrt muss nicht intensiv beschrieben werden, wenn nichts intensives passiert ist, aber dass eben nichts passiert ist, muss dann auch an die Lesenden weitergetragen werden. Gerade wenn es eine steigende emotionale Spannung gab, wie bei diesem Liebespaar.

1. Wahrnehmung erzählt

Ein Beispiel:
Sie setzte sich auf einen Stuhl, nahm die Suppe dankbar entgegen und begann zu essen.
Hatte sie ihm das falsche Signal geschickt? Wieso setzte er sich nicht neben sie wie gestern? Ihre Schultern hatten sich berührt und nach diesem Gefühl sehnte sie sich sehr.

Sicher, es beschreibt hier die Tätigkeit und die Gedanken. Aber in der Realität verschwimmen Tätigkeiten und Gedanken - simple Handlungen bekommen eine tiefere Bedeutung, und die Art und Weise, wie wir mit unserer Umwelt interagieren erzählt eine eigene Geschichte.

Frage: Wie würde der Charakter auf Basis der eigenen emotionalen Beschaffenheit in dieser Situation auf eine Suppe reagieren?

Frage: Welche Stimmung will ich erzielen?

Langsam ließ sie sich auf den Stuhl sinken. Das Möbelstück knarzte leise, während sie unsicher hin und her rutschte. Hoffentlich hatte das natürlicher ausgesehen, als es sich anfühlte. Sie wollte sich ihre Nervosität nicht anmerken lassen. Zwischen ihnen stand noch immer der verflixte Morgen, den sie am liebsten wieder vergessen würde. Er schien das bereits getan zu haben - grinsend servierte er ihr die Suppe und sie bemühte sich um ein freundliches Lächeln, doch ihre Mundwinkel zitterten merklich. Nur zögerlich tauchte sie den Silberlöffel in das dunkle Rot von Tomaten. Ein herrlicher Duft bemühte sich um ihre Aufmerksamkeit, kam jedoch nicht gegen die vielen Fragen in ihrem Inneren an. Hatte sich etwas verändert? Wieso saß er ihr gegenüber, den Blick gesenkt und nicht bei ihr, Schulter an Schulter, so wie gestern?

Ich habe hier versucht den vollen Umfang der Wahrnehmung festzuhalten - bis zum Detail eines knarzenden Stuhls, den man in einer stressigen Situation vielleicht als Sorgengrund wahrnehmen würde. Je nach Gefühlslage nehmen wir unsere Umwelt anders wahr. Manchmal verschwimmt alles zu einem Rauschen, die Zeit rast - oder alles wird zu einer Qual, jedes Geräusch, jede Regung. Was kümmert mich das Knarzen eines Stuhls, wenn ich mit Freunden rumalbere? Vielleicht lachen wir darüber “das klang wie ein Furz” - aber wenn ich gerade perfekt sein will, im Wimpernschlag eines zerbrechlichen Moments, dann ist das Knarzen alten Holzes ein Störfaktor, es lenkt Aufmerksamkeit auf mich, auf etwas unperfektes. Das kann unangenehm sein und das sollte dann auch beschrieben werden, um die Lesenden in den Moment und in die Gefühle des Protagonisten zu holen. Wie sich der Prota dabei fühlt, entscheidet natürlich die Psychologie des Charakters.

2. Übergänge mit Tiefe

Darüber hinaus erlauben es uns Worte aus kurzen simplen Informationen einen Witz zu zaubern, einen eleganten Übergang zu formulieren oder einen Schocker zu kreieren - und so vieles mehr noch.

Natürlich kann es reichen einen einfachen Übergang von einer Szene in die nächste mit einem kurzen Satz zu formulieren. Aber dabei wird Potential verschenkt und es kann Lesende aus dem Fluss werfen. Gerade las ich ein Buch, in dem der Protagonist zum Flughafen fuhr, flog, landete und … es war so zwischen die Handlung geschmissen, dass ich es überlesen habe. Generell war das Buch sehr blank beschrieben und wies keinen Schreibstil auf, die Story aber war gut. Ich fragte mich also: Was mache ich da anders? Was machen andere anders? Wie geht es “besser”? (Blanke Schreibstile sind voll fein, aber sie brauchen sehr fesselnde Storys)

Ein Beispiel eines kurzen Übergangs:

Wir fuhren mit dem Auto zum Flughafen. Als wir im Flugzeug saßen atmete ich tief durch, so auch, als wir landeten und ich wieder Londoner Boden unter den Füßen hatte.

Simple Erweiterung von Informationen: (Ziel der Gefühle: Genervt, weil stressiger Flug / Reise)

Endlich fuhren wir mit dem Auto zum Flughafen. Als wir im Flugzeug saßen, …
Verspätet fuhren wir…
Eilig fuhren wir…

Manchmal reicht das schon, ein simpler Zusatz, um das Bild zu verstärken. Ein Satz mehr, und aus “Ich fuhr mit dem Auto” wird ein tieferes Bild, dass Lesende von einer Szene zur anderen transportiert. “Ich fuhr mit dem Auto die mir so bekannte Strecke bis zum Wanderweg. Trotzdem entdeckte ich hier jeden Tag etwas neues. Diesmal war es das Nest zweier Störche. Zu Hause angekommen beschloss sich das nächste Mal meine Kamera mitzunehmen.”

Sinn: Wegen der Information über das Nest, völlig irrelevant für den Plot der Geschichte, wird aber ein Anker erzeugt, der Wahrnehmung / Bilder in den Kopf der Lesenden zaubert und das Erlebnis der Fahrt als Strecker transportiert, wir nehmen beim Lesen die zurückgelegte Distanz mehr wahr, als bei einem simplen “Und er fuhr heim”, weil wir einen Bezug zu der Fahrt erhalten haben.

Zurück zu unserem Flug:

Genutzt als Szene mit Bildern und Charaktereinsicht: (Ziel: Genervte, gestresste Reise)

Und dann fuhren wir endlich mit dem Auto in Richtung Flughafen, dabei natürlich sämtliche Baustellen, Umleitungen und rote Ampeln mitnehmend. Na immerhin konnten wir so unser Stresslevel testen, die drohende Konsequenz eines verpassten Fliegers war eine gute Belastungsprobe für das bevorstehende Essen mit meinen Eltern. Wer hier anfing zu weinen, überlebte keine zwei Stunden mit Mama und Papa “Du-bist-so-eine-Enttäuschung”. Allein bei dem Gedanken jubelte mein Magen. Ob mir wohl den ganzen Tag über schlecht sein würde vor lauter Hektik? Immerhin: Ich bin noch nie so schnell durch die Personenkontrolle gefegt und war noch nie so dankbar dafür keinerlei Metall am Körper zu tragen, wie heute. Ja Mama, ich hab das Piercing nicht mehr, bist du jetzt zufrieden? Auch meine Schwester schaffte es unbeschadet samt Koffer und Mitbringsel durch das Abtasten und mir kamen glatt die Freudentränen. Es sind die kleinen Dinge im Leben…
Als wir schlussendlich im Flieger saßen, ertappte ich mich dabei ein Kreuz auf meiner Brust zu malen, trotz meiner festen Überzeugung von nichts und niemandem noch errettet werden zu können - selbst wenn Jesus persönlich mit diesem Flugzeug reiste. Um so erschrockener war ich über das Erscheinen meines Sitznachbarn - sein perfekter Bart und diese langen lockigen braunen Haare. Fuck. Das war besser kein himmlischer Scherz oder gar Vorbote eines baldigen Absturzes.
Zu meiner Überraschung landeten wir ein paar Stunden später mit sanften Engelsschwingen in London - und ich war geneigt, dem Herren zu meiner Rechten meinen Dank auszusprechen. Doch den in die Armlehnen gekrallten Händen meines Sitznachbarn nach zu urteilen, handelte es sich bei ihm nicht um den Sohn Gottes, aber was wusste ich schon über die Ängste des Messias?
Endlich auf englischem Boden hielt mein erleichtertes Verschnaufen nur kurz, denn meine Schwester machte mich mit einem dringlichen Blick gen Uhr auf unser bevorstehendes Martyrium aufmerksam.

Der Flug wird nicht im Detail beschrieben, aber es ist deutlich spannender, unterhaltsamer, als das Schlichte: “Wir fuhren mit dem Auto zum Flughafen. Als wir im Flugzeug saßen atmete ich tief durch, so auch, als wir landeten und ich wieder Londoner Boden unter den Füßen hatte.” - Ja das beschreibt die Handlung, es reicht, aber es ist verschenktes Potential. Jeder Charakter, egal aus welcher Perspektive beschrieben, hat einzigartige Gedanken. Der hier im Witz in der Ich-Perspektive sprechende Mann ist zynisch, sarkastisch, aber humorvoll. Er nimmt seine Welt mit einem Augenrollen wahr. Und genau das habe ich genutzt, um seine Reiseerfahrung kurz zusammenzufassen, mehr Insides in seine Gedanken zu gewähren und einen trotzdem knappen Übergang des Fluges zu schreiben. Der Flug ist nur dahingehend Plottrelevant, weil er stattfindet - aber er wird somit auch Relevant für das Verständnis meines Protagonisten. Und das mit nur ein paar wenigen Sätzen mehr / natürlich geht es auch noch kürzer. Außerdem kann ich dann eventuell inneren Monolog über den Stress mit seinen Eltern einsparen. Es ist ein sehr klassisches Show Don’t Tell, weil ich durch die Flugerfahrung mit den Gedanken an den Besuch der Eltern schon viel negative Gefühle des Charakters zeigen konnte, ohne sie im inneren Monolog oder anderweitig erklären zu müssen.

Gestaltet als einfacher, aber bildlicher Übergang (Ziel wieder: Genervt)

Endlich fuhren wir mit dem Auto zum Flughafen, den wir trotz tausend roter Ampeln gerade rechtzeitig erreichten. Ein entspannter Flug sah anders aus; ich musste immerzu an das bevorstehende Essen mit meinen Eltern denken. Leider bestellten sich genügend Leute im Flieger einen kleinen Snack, so dass ich die ganze Zeit über den ekligen Geruch von Schinkensandwich in der Nase hatte.
Nach der Landung zerrte mich meine Schwester regelrecht aus dem Gate und wir warfen uns erleichtert auf unsere Koffer am Rollband. Jetzt nur noch auf ein anständiges Taxi hoffen.

Die Beschreibung ist kurz, knackig, zeigt ein bisschen was von dem erlebten. Vor allem erlaubt sie den Lesenden sich für einen Moment auf das Bild des Fluges einzulassen. Es rauscht nicht so schnell vorbei. Es wird nicht überlesen.

📑 Übung: Beschreibe diesen Flug mit folgenden Settings / oder denke dir eigene aus.

Basissetting: Bruder & Schwester fliegen zu den Eltern. Weg zum Flughafen ist schwierig, sie kommen fast zu spät.
Tipp: Denk immer an die Hintergründe, wieso könnte der Protagonist genervt sein? Wieso freudig? Was wird den Eltern erzählt werden?

• Freudig aufgeregter Charakter, freut sich auf den Besuch mit den Eltern

• Enorm gelangweilt und übermüdet

• Auf ein eigenes Problem fixiert und gedankenversunken

Dialoge

"Mh", sagte sie und griff in den Eimer.

Lebendige Dialoge schreiben

Manchmal werden Dialoge in Geschichten nur als Mittel zum Zweck genutzt, um möglichst schnell von A nach B zu kommen. Dabei vermissen die Leser jedoch die Tiefe und das Gefühl, dass sie tatsächlich mit den Personen interagieren. Dialoge sollen ein Erlebnis sein, kein Zeigen. Wir stellen uns selten auf ein Podest und verkünden laut unsere sorgfältig überlegten Emotionen - so etwas sieht man nur in meist mäßig bewerteten Serien.

Ein gutes Beispiel ist dafür die Live Action Umsetzung von Avatar - The Last Airbender. Direkt in der ersten Episode hält der Hauptcharakter einen Monolog über seine Gefühle. Er ist noch ein Kind und doch fasst er, was er fühlt zusammen, als hätte er eine Therapiesitzung hinter sich. “Ich weiß wer ich bin, ich bin niemand der die Feuernation stoppen kann.” Er erklärt lange und direkt, dass er Angst hat, nicht zu können, was nötig ist. Es kommt aber kein Gefühl dabei auf. Dabei kann man sich das alles anhand seiner Fluchtreaktion vor seiner Verantwortung schon denken. Jetzt wollen wir es nicht noch mal hören, wir wollen es fühlen. Direkt nach seinem Monolog umarmt er seinen Bison Appa und sagt “Ich habe Angst”. Das hätte gereicht. Seine Stimme bricht, seine Haltung verändert sich, sein Ausdruck verzerrt sich…

Wir haben hier also eigentlich bereits genug Kontext innerhalb der Geschichte, um zu wissen, dass Aang, als Kind, für seine Aufgabe des Auserwählten, noch nicht bereit ist. Entsprechend hätte ein “Ich habe Angst” vor seinem Tiergefährten Appa gereicht.

Als gut wahrgenommene Dialoge eint meist eines: sie klingen natürlich, authentisch und helfen, sich in die Geschichte hineinzuversetzen, in die Charaktere. Sie lassen einem Mitfiebern, neue Rätsel entdecken und oder lösen.

Wenn man sich beim Schreiben an einige Regeln hält, kann man sich diese Dynamik erarbeiten.

Fangen wir ganz simpel an:
Überlege, welche Personen sprechen sollen, notiere dir ihren Ist-Zustand, wo sie sich befinden, was sie gerade zu beginn fühlen. Wieso entsteht die Unterhaltung? Welche Informationen teilen sie und wieso? Was fühlen sie dabei? Was entwickelt sich dadurch? Gibt es neue Fragen? Neue Antworten? Was machen sie dabei? Bewegen sie sich? Was passiert mit ihrem Gesicht? Was beobachtet die POV Figur in den anderen? Verändert sich die Welt drumherum? Wird es später? Dunkler? Sagen die Charaktere das was sie wollen? Lügen sie bewusst? Verfehlen sie ihren Punkt unbewusst? Sind sie in der Lage sich auszudrücken und wenn ja, wieso? Reden sie aneinander vorbei? Notiere dir auch immer den outcome einer Unterhaltung.
Wie sprechen die Figuren miteinander? Vertraut, Unvertraut? Die Sprechweisen der einzelnen Charaktere immer beachten.

Daraus ergibt sich auch die Möglichkeit, mehr als “sagt er” zu nutzen. Was zwischen der wörtlichen Rede steht, ist genau so wichtig, wie das, was die Charaktere sagen.

Ein guter Dialog ist so glaubwürdig, dass wir meinen, einem echten Gespräch gelauscht zu haben. Er trägt Informationen und Gefühle. Allgemein gilt: Je mehr du über deine Figuren weißt, desto leichter fällt es dir, gute Dialoge für sie zu schreiben.

Achtung: Wir schreiben nicht lektoriert. Sätze, die klingen, als hätte jemand lange darüber nachdenken müssen, wirken unnatürlich. Solche Charaktere sind selten. Wir wiederholen uns beim Sprechen, wiederholen Wörter, machen Pausen, beenden Sätze nicht. Wir reißen Themen an, lassen sie fallen, brechen einen Satz ab und gehen in den nächsten über. Ein Dialog muss keinen roten Faden haben, nur die Handlung dahinter. Das alles sollte mit Maßen genutzt werden, dann so realistisch ein unterbrochener Dialog voller Füllwörter und Wiederholungen ist: Es muss angenehm zu lesen sein. Die Balance macht es. Denn am Ende ist ein Buch Kunst und Fiktion, selten bilden wir die Realität ab. Es muss sich nur real anfühlen, oder eben so, wie es euer Ziel ist.

📑 Übung: Schreibe mit deinen Charakteren ruhig Probesituationen, um einige typische Äußerungen von ihnen zu erforschen, die ihnen mehr Leben und Glaubwürdigkeit schenken.

“Dialoge dürfen auch mal bissi cheese sein, weil wir limitierte Erzählmittel in Büchern haben. Fiktion ist eben nicht die Realität.”

Dialoge im Text leichter lesbar machen

Um zu verstehen, wer gerade spricht, muss der Leser den Sprechern folgen können. Dialog vermittelt nebenbei noch Gefühle und Handlung. Das alles muss flüssig lesbar miteinander verwoben werden. Erzielt wird das sowohl durch klare Benennung der sprechenden Figuren, als auch Absätze, die deutlich machen, dass von einer Figur zur nächsten gewechselt wird.
Namen von Charakteren werden in Programmen wie Papyrus Autor auch als Wortwiederholung erkannt, doch gerade bei Dialogen fällt das beim Lesen so gut wie gar nicht auf.

Das Beispiel, mit dem wir arbeiten:

“Das geht so nicht”, rief Amelia und stampfte mit dem Fuß auf. “Ich hab dir schon hundert Mal gesagt, du sollst das lassen!” Energisch drehte sie sich herum, um nach den anderen Kindern zu sehen. Zum Glück bekamen die von ihrem Wutausbruch nichts mit.
Pascal schaute sie ratlos an. “A-aber ich hab doch nur”, begann er, doch ihr Schnauben unterbrach ihn.

Allgemein:

Die kleinen Absätze zeigen deutlich, dass wir im ersten Absatz Charakter A zuhören und beim zweiten Absatz Charakter B im Fokus haben, obwohl unsere Perspektivperson Charakter A ist.

Der erste Absatz beginnt mit einem Dialog, wird aber durch die Information, wer spricht und eine Tätigkeit kurz unterbrochen. Das zeigt auch die gleichzeitige Handlung. Wir bekommen das Gefühl, dass Amelie gerade spricht, direkt mit dem Fuß aufstampft und dann flüssig weiter spricht. Auch bekommen wir einen Einblick in ihre Gefühle.

Gefühlsvielfalt in Dialogen.

Der Text zeigt den negativen Kontext, deshalb braucht es zu “rief Amelia” keine Worte wie “rief sie wütend”. Nur, wenn ihr Stimmung von dem wahrgenommen abweicht, dann braucht es Adjektive. Amelie könnte z.B. enttäuscht sein, wir lesen sie aber ohne weiteren Kontext als wütend. Diese Enttäuschung können wir durch mehr Einblick zeigen , oder klar benennen. (Tell or Show.) Da jedoch ihr Ausruf generell sehr wütend geframet ist, würde ich dort tatsächlich schreiben “Das geht so nicht”, rief Amelie und hörte selbst, wie enttäuscht sie klang. Bemüht stampfte sie mit dem Fuß auf, es musste auch auf Pascal wie ein plumper Versuch Ameisen zu verjagen wirken. Sie könnte sogar weinerlich klingen. An dieser Stelle würde ich das mit dem Fuß-Aufstampfen weglassen, selbst wenn ein Charakter das so machen würde, einfach, weil es den Kontext auf Ärger und Energie verschiebt, und die beschriebene Enttäuschung eher kraftlos ist. Natürlich kann es auch wütende Enttäuschung sein.

Handlung zwischen wörtlicher Rede.

In unserem ersten Absatz bekommen wir nach der wörtlichen Rede recht viel Handlung, doch sie ist so kurz und knapp beschrieben, dass wir nicht aus dem Dialog geworfen werden und Pascal sofort folgen können, als hätte dieser beinahe direkt geantwortet. Manchmal ist es jedoch wichtig nach einem Dialog gleich Gedanken zu reflektieren, denn Gedanken spielen sich auch zwischen Dialogen sehr schnell im Kopf ab und können gefühlt Minuten füllen, dabei waren es nur Sekundenbruchteile. Wichtig ist auch da wieder die Balance - zu viel, und die Lesenden sind aus dem Dialog raus. Wenn der Dialog diesem Zweck dient, kann sogar ein Flashback in Form eines ganzen Kapitels einen Dialog unterbrechen, das ist jedoch selten. Ist der Zweck des Dialoges hingegen ein direkter Austausch, sollte dies auch so beschrieben werden, mit dem Fokus aufs Sprechen und kürzer beschriebenen Gefühlen.

Wie wichtig sind die Gefühle des Dialogs?

Nun zum zweiten Absatz mit Pascal. Es ist möglich, seine Ratlosigkeit zu beschreiben. Je nach Charakter, könnte er sie mit großen schwimmenden Augen ansehen, was sich ähnlich liest, wie Ratlosigkeit. Weit aufgerissene Augen und gehobene Brauen könnten darstellen, dass er gerade erschrocken ist. Auch das ist möglich, wenn wir uns ratlos fühlen. So können Beschreibungen besser sein, als ein Adjektiv, da sie uns beinahe mehr Kontext geben. Ein Kind ist in so einer Situation überfordert, natürlich ist er ratlos. Das Gesicht, der Klang seiner Stimme können viel mehr verraten. Aber auch nur… wenn das wichtig ist. Wenn es nur eine kleine Szene ist und Pascal kein wichtiger Charakter oder das nichts Wichtiges in Amelia auslösen soll, dann reicht “ratlos”.

Beliebte Dialogworte umgehen, sammeln & wechseln:
Ächzte, seufzte, sagte, murmelte, nuschelte, kiekste, quiekte, sprach, erwiderte, fragte...
Ausgefallene Worte nur mit Vorsicht einbauen. “Kieksen” geht vielleicht 2x in einem laaaaangen Kapitel. “Sagen” hingegen ist so normal, dass wir es überlesen, nicht als Wiederholung wahrnehmen, sondern es eher der Hilfe dient, zu verstehen, wer gerade spricht.

Vom Augenbrauen heben, bis zum Lippen zusammenkneifen, ein möglichst vielfältiger Dialog an Körpersprache hilft zu dynamischen Texten…. ja, das ist richtig, aber ich habe schon Bücher gelesen, die haben das so wörtlich genommen, dass ich vor lauter Gesichtskirmes gar nicht mehr mit dem Dialog mitkam.

Benutzt Verben, die auch tatsächlich das Sprechen beschreiben und nicht das Gesicht des Sprechenden näher beschreiben. Grinsen ist z.B. kein Wort zur Beschreibung von Sprechen, sondern zeigt die Mundform. Du kannst sprechen und dabei grinsen, aber Grinsen alleine erzeugt keine Sprache.
Falsch: “Das geht so aber nicht”, grinste er.
Richtig: “Das geht so aber nicht”, sagte er mit einem Grinsen.

📑 Übung: Beschreibe einen Dialog mit möglichst unterschiedlicher Beschreibung, wer gerade spricht. Sprachverben wie "sagte" dürfen nur einmal benutzt werden, dann muss ein anderer Weg gefunden werden. Und nicht immer ist es nötig, zu beschreiben, wie etwas gesagt wird, wenn der Dialog selbst gut aufgebaut wurde.

📑 Übung: Pantomimen Challenge - beschreibe eine Szene zwischen Charakteren völlig ohne Dialog. Nur durch Ausdruck und Körpersprache. Vermeide Gefühlsbezeichnende Wörter wie “nickte zornig”. Wie nickt denn jemand zornig? Was sehe ich, damit ich diesen Eindruck vermittelt bekomme? Stampft die Person dabei vielleicht noch mit dem Fuß auf? etc.

Dialog-be/umschreibungen:

• … murmelte sie, während sie die Schultern hängen ließ und den Blick auf den Boden senkte.

• … flüsterte er und fuhr sich mit einer zittrigen Hand über das Gesicht.

• … sagte sie mit einem kaum wahrzunehmenden Seufzen, während sie mühsam einen Fuß vor den anderen setzte. Ihre Bewegungen wirkten schwer und träge, als ob sie gegen unsichtbare Fesseln ankämpfte.

• … bemerkte er leise, während er die Arme fest um seinen Körper schlang und sich in einer schützenden Haltung zusammenzog.

• … sagte sie mit erstickter Stimme, während sie sich gegen die Wand lehnte und den Kopf sinken ließ. Ihre Finger gruben sich in

• … flüsterte er, seine Stimme brüchig.

• … bemerkte er mit einem nervösen Lächeln, das sofort zu zittern begann. Hastig presste er sich die Hand vor den Mund; hoffentlich hatte er sich nicht verraten.

• Sie strich sich die Haare aus dem Gesicht. Unruhig trommelten ihre Finger auf ihrem Schoß. “…”

• Die Lippen leicht zusammengepresst, als ob sie die Last der Worte, die er nicht aussprechen konnte, zurückhalten würden.

• Seine Augen vermieden den direkten Kontakt, als ob er sich fürchtete von seinen eigenen Augen verraten zu werden.

• Ein unangenehmes Gefühl der Beklemmung legte sich um ihre Brust, als ob sie unter der Last seiner Schuld zusammenbrechen würde. Zäh wie Honig verklebten ihr die Worte den Mund und sie kam kaum die Lippen auseinander.

• Die Falten auf seiner Stirn und die feinen Linien um seine Lippen erzählten die Geschichte seines inneren Konflikts.

• Jedes Wort war ein scharfer Hieb, begleitet von einem wütenden Blick, der keine Widersprüche duldete.

• Seine Schultern zuckten in einem stummen Zeugnis seiner tiefen Trauer. Ungeweinte Tränen erschütterten den dünnen Leib.

• … fragte sie mit einem Hauch von Bitterkeit in ihrer Stimme, ihre Augen funkelten vor Enttäuschung, während sie den Blick abwandte.

• … gestand er zögerlich, seine Augen huschten ängstlich umher.
  

Einige dieser Dialogbeschreibungen habe ich die Chat AI schreiben lassen, kannst du erkennen, welche? Nicht alle fühlen sich echt und dynamisch an. Ich verrate dir nicht, welche es waren, denn Wahrnehmung ist sehr subjektiv und vielleicht gefallen dir die Vorschläge einer Datenkrake ja. Nur das bloße Nachdenken allein ist es, was dir beim Lernen hilft.

 Hate your work

Der seltsamste Ratschlag, den ich habe. Aber das hat mir nach meiner Mona Buchreihe die Augen geöffnet und geholfen, mein Schreiben massiv zu verbessern. Wenn wir zu verliebt in unsere Arbeit sind, weil wir die Welt, die Charaktere, die Geschichte atmen und leben, dann übersehen wir nicht nur gravierende Fehler, wir entschulden auch viel zu viele Plottlöcher und schwaches Schreiben.

Mit dem Abstand von Jahren zu meinen Büchern konnte ich mich frisch an meine eigenen Werke rangen und habe Kritiker gespielt. Einen Kritiker mit einer bereits gefestigten Meinung. Ich habe die Werke aus der Sicht einer Person bewertet, die weder die Charaktere noch den Plot mag - nur die Idee.

Und oh boy, ich konnte Handlungen, Aussagen, Gefühle, Erklärungen auf einer völlig neuen Ebene hinterfragen. Ich konnte so aus meiner Realität ausbrechen und die Geschichte aus einer neuen Perspektive betrachten.

Das ändert natürlich nichts, ich liebe die Story immer noch. Aber ich konnte nicht nur feststellen, wie viel ich inzwischen gelernt hatte und besser machen würde, sondern dadurch auch noch deutlich mehr lernen. Und oh boy, ist da Luft nach oben gewesen in den Büchern.

Ich versuche euch mal ein Beispiel zu nennen:

In eurer Vorstellung kabbeln sich zwei Freunde, die sich sehr gernhaben und machen Witze übereinander. Ihr kennt eure Charaktere. Ihr wisst, wie sie ticken, wer sie sind. Dann tauchen sie das erste mal auf und unterhalten sich eben wie folgt:
”Wie du heute wieder aussiehst, wie frisch aus der Mülltonne gezogen.” Er verdrehte die Augen.
”Ach, das sagt Mister Wischmob!” Sie verschränkte ihre Arme.
Wir lesen die Dialoge mit einem humorvollen Unterton, denn wir wissen, wie es gemeint ist. Aber angenommen, wir mögen die Charaktere nicht. Angenommen, wir haben wenig Bindung zu ihrer Beziehung. Dann klingt es, als würden sie sich gegenseitig ziemlich toxic herunterziehen. Es fehlt einfach an den entsprechend neckenden Beschreibungen und wenn vorher keine fundamentale intime Beziehung zwischen den beiden etabliert worden, hat man auch keine Ahnung, wie man dieses Gekabbeln nun lesen soll. Also entweder beschreibt man ihre Körpersprache deutlicher oder etabliert vorher den Ton. Und dann ist da auch noch die Wirkung der Figuren nach außen. Verstehen andere Charaktere in der Szene, dass sie nur Spaß machen?

Wenn ich mir die Szene aus der Perspektive einer Person ansehe, die beide Charaktere nicht mag, bin ich viel kritischer. Natürlich überkritisch. Deshalb sind Hate-Kritiken auch immer nur halb so gut, wie sie sein könnten. Haben valide Punkte, schießen aber bei der Hälfte über das Ziel hinaus. Darum geht es bei diesem Tipp nicht. Es ist nur sehr schwer, aus dem eigenen Mindsetting auszubrechen und die einzige Möglichkeit, die ich für mich gefunden habe, ist eben “Hate your work”.

Schreiben ist einfach schwer. Es gilt an so unendlich viel zu denken, und ständig muss man sich von der rosaroten Brille frei machen.

Ich habe noch ein Beispiel für euch, aus meinen eigenen Büchern:

Meine Hexe Mona aus der gleichnamigen Reihe ist eine lausige Hexe. Sie ist aufgrund ihrer gefühlsgehemmten Lebensweise (ihre Hexenkräfte spielen unter zu starken Gefühlen verrückt) und ihrem ADHS versagt sie einfach in allem, ist reizüberflutet, kopflos, chaotisch und - durch und durch nach Außen hin eine Versagerin. Sie ist keine Heldin. So wird sie auch dargestellt. Gehemmt, ängstlich, manchmal sehr selbstsüchtig, weil auch Selbstlosigkeit für sie kaum umzusetzen ist, wenn Gefühle so verrückt spielen, ständig überdramatisiert sie - klassisches undiagnostiziertes ADHS und Trauma. Da der Charakter das aber im Buch selbst nicht weiß und das Buch aus ihrer Perspektive ist, hab ich natürlich keine Diagnosen als Anleitung ins Buch schreiben können. Ich habe die Welt genau so verzerrt aus ihrer Sicht beschrieben, übertrieben und schief, damit man es merkt. Ständig sagt sie “ehhh”, weil sie nicht in der Lage ist, gleich zu reagieren, weil ihre Probleme sie daran hindern. Und wahnsinnig viele Lesende haben das sofort verstanden, weil sie das von sich kannten. Aber wer keine Empathie für psychische Probleme oder Neurodiversität hatte, hat Mona für ihre Hemmungen gehasst. Und wenn das auch das Problem dieser Leute ist, wäre es nicht schön gewesen, ich hätte diese Leute auch abholen können? Hätte ich meine Mona mal aus ihrer Sicht gesehen, sie mich nerven lassen, mit ihren “Problemchen”, wäre mir klar geworden, dass ich in Kapitel 1 das Potenzial völlig verschwendet habe, ihren emotionalen Zwiespalt zu etablieren. Dabei gab es da eine Lücke, die sich geradezu angeboten hat. Ich konnte das aber nicht sehen. Denn ich kannte den “Hass doch mal den Charakter und guck, wie sich alles liest, was er macht” Trick noch nicht.

Das Ding ist… ihr müsst auch erstmal ein Buch an eine größere Masse veröffentlicht haben, um Teile davon zu lernen. Denn egal wie viele Lektorierende helfen, egal wie viele Betalesende man hat - nur eine breite Masse fern der eigenen Realität kann euch zeigen, welche Sprache, die ihr nutzt, verstanden wird und welche nicht. Viele meine Beschreibungen wurden von allen verstanden und dann gab es bestimmte Herangehensweisen meines Schreibens, die bei 50% der Leute auf “Hääääs” gestoßen sind.

Um gut im Schreiben zu werden, müsst ihr Fehler machen. Fehler vor aller Menschen Augen. Das ist voll OK.

Lest keine schlechten Rezensionen, heißt es immer. Aber… ich habe von negativen UND sogar von Hass-Reviews viel gelernt. Dabei konnte ich nach mancher Review für Tage nicht schlafen. Das war aber OK. Ich musste erst lernen, es nicht dramatisch zu nehmen, sondern als gegeben, nicht änderbar und als Möglichkeit zu wachsen.

Manche Hassreview ist echt einfach nur Murks, klar. Aber das ist selten. Manchmal war das Learning auch nur, dass ich Mona nicht klar genug als Sitcom platziert bekommen habe. Das ist kein normales Buch-Genre. Ich hatte gehofft, das verspielte Cover und die verspielte Aufmachung, wie die karitativen Charaktere würden reichen. Nö. Also ja, das nächste Mal schreibe ich das einfach clean ins Buch. Damit man weiß, dass man manche Szenen einfach für die Szene feiern darf und die Logik nicht zu stark hinterfragt.

Eine Review hat mich richtig gekriegt. Sie war nicht sehr lang, aber heftig ableistisch. Das Ding… es bringt nichts, mich über den behindertenfeindlichen Hass aufzuregen. Ich hab mich dann gefragt, gäbe es eine Szene, einen Satz, die dieser Person ihren Ableismus genommen oder aufgezeigt hätte? Was ist eine kleine Szene mehr im Buch, wenn man damit so viel bewegen kann?

Außerdem hilft “Hate your work” auch bei “Kill your darlings”. Oh ja es gibt echt schöne Szenen und Ideen und Witze und Charaktere… Aber manchmal haben sie einfach keinen Platz im Buch. Ich sehe das zwar generell nicht so eng, wie viele andere Lesende und Schreibende, weil ich gerne Szenen auch nur für die Idee lese, egal wie Plottrelevant sie sind. Und macht nicht den Fehler wie ich, solche “Darling” Szenen behalten zu wollen und sie zwanghaft Plottrelevant zu machen. Das habe ich früher oft gemacht und uff, das wurde unordentlich.

Also, ja, da ist ganz viel Luft nach oben in meinen Büchern und ich hoffe, das wird immer so bleiben und ich werde es nach einziger Zeit Abstand zu jedem Werk wahrnehmen, denn das heißt, dass ich wachse.